Хор musicAeterna под управлением Виталия Полонского представляет антологию русской хоровой музыки XX века. Программа охватывает самые знаковые и яркие сочинения композиторов, которые не просто писали для хора, но воплотили ДНК русской хоровой музыки: от раннего хорового концерта Сергея Рахманинова, подводящего итог романтизму XIX века, до фрагментов из знаменитых «Перезвонов» Валерия Гаврилина.

Все произведения программы укоренены в древних традициях русской музыки. В духовных сочинениях Павла Чеснокова, Игоря Стравинского, Альфреда Шнитке сосредоточенная поступь церковной музыки допетровских времен и полифоническая вязь хоровых концертов «золотого века» русской культуры переплавлены в совершенно разных авторских манерах, при этом, с равной глубиной и молитвенной сдержанностью.

В светских произведениях Сергея Танеева, Георгия Свиридова, Юрия Фалика та же, духовная по происхождению, хоровая культура встречается с мелодикой деревенского и городского фольклора, романсовой стихией, ритмами колокольных перезвонов и популярных танцев, театральным драматизмом и нежной звукописью. Яркие сценки-зарисовки или лирические медитации – все они точно следуют за поэтическим словом в стремлении ухватить и выразить суть человеческой жизни.

Программа:

Сергей Рахманинов (1873–1943)
«В молитвах неусыпающую Богородицу», концерт для хора (1892)

Павел Чесноков (1877–1944)
«Мати Божия», концерт для хора, ор. 45 № 5 (1915)
«О, пресладкий и всещедрый Иисусе», концерт для хора, ор. 45 № 2 (1915)

Альфред Шнитке (1934–1998)
Три духовных хора (1984)
«Богородице Дево, радуйся»
«Господи Иисусе Христе»
«Отче наш»

Игорь Стравинский (1882–1971)
«Верую», № 2 из цикла Три духовных хора (1926–1934)

Сергей Танеев (1856–1915)
Из цикла «Двенадцать хоров a cappella для смешанных голосов» на стихи Якова Полонского, op. 27 (1909):
«Вечер», № 2
«Посмотри, какая мгла», № 4

Юрий Фалик (1936–2009)
Два хора на стихи Александра Блока
«Город спит» (1980)
«Незнакомка» (1974)

Георгий Свиридов (1915–1998)
«Заутренняя песнь», № 1 из цикла «Три стихиры для мужского хора», второй части собрания «Песнопения и молитвы» (1980\1988–1997)
«Ты запой мне ту песню» на слова Сергея Есенина из цикла «Семь хоров на слова русских поэтов» (1967)
Из концерта для хора «Пушкинский венок» на слова Александра Пушкина (1979):
«Зимнее утро», № 1
«Наташа», № 8
«Стрекотунья белобока», № 10
Валерий Гаврилин (1939–1999)
Из хоровой симфонии-действа «Перезвоны. По прочтении Василия Шукшина» (1978–1982):
«Вечерняя музыка», № 10
«Страшенная баба», № 15
«Ти-ри-ри», № 8

В программе возможны изменения.

Труппа musicAeterna Dance создала спектакль «Землетрясение» вместе с хореографом Ю Стремгреном, одним из ведущих мастеров современного танца Норвегии и – шире – Европы. Хореограф и драматург, киносценарист и сценограф, Ю Стремгрен создал около 200 постановок, которые показывались в 68 странах. В 2000 году в Калининграде состоялся его российский дебют, и с тех пор он поставил около 20 работ в разных городах страны, включая спектакли для танцевальной компании «Балет Москва» и труппы Московского драматического театра им. А. С. Пушкина.

Землетрясение – привычный фон жизни, оно не может помешать встрече с высоким искусством. Пианистка снимает чехол с концертного рояля, солист разбирает ноты, собравшиеся – обычные люди, такие же, как мы – готовы потанцевать… Постепенно в традиционный концерт вкрадываются искажения, странности, абсурдные события: встреча меломанов распадается на бессвязные фрагменты. Сможет ли музыка удержать их мир?

Для размышлений об этом Ю Стремгрен избрал классический музыкальный материал – романсы Сергея Рахманинова: «Все свои романсы Рахманинов написал до отъезда в Америку. После – ничего. Значит ли это, что романсы указывают на нечто «настоящее», что было утрачено? Все ли мы тоскуем по чему-то «настоящему»? Я не знаю. Я также часто думаю о том, как мы сухи и практичны в жизни, но становимся мягкими и эмоциональными, когда слышим музыку, смотрим фильм, видим танец. Обращаться к искусству – все равно что вспоминать что-то хорошее, когда жизнь трудна. Это не только способ убежать от реальности. Воспоминания о «настоящем» дают надежду на будущее».

Хореограф и художник-постановщик – Ю Стремгрен (Норвегия)
Ассистент хореографа – Анастасия Пешкова
Выпускающий продюсер – Дарья Третьякова
Художник по свету – Наталья Тузова
Технический директор – Алексей Бондаренко
Заведующий постановочной частью – Константин Кармазиков
Художественный руководитель musicAeterna Dance – Анна Гусева
Менеджер труппы – Яна Мурина

Исполнители:

труппа musicAeterna Dance:
Айгуля Бузаева
Тимур Ганеев
Евгений Калачёв
Максим Клочнев
Савва Коротыч
Елена Лисная
Айсылу Мирхафизхан
Алексей Слуцкий
Дарья Тагильцева

артисты оркестра и хора musicAeterna:
Саша Листова, фортепиано
Кирилл Нифонтов, тенор

Труппа musicAeterna Dance создала спектакль «Землетрясение» вместе с хореографом Ю Стремгреном, одним из ведущих мастеров современного танца Норвегии и – шире – Европы. Хореограф и драматург, киносценарист и сценограф, Ю Стремгрен создал около 200 постановок, которые показывались в 68 странах. В 2000 году в Калининграде состоялся его российский дебют, и с тех пор он поставил около 20 работ в разных городах страны, включая спектакли для танцевальной компании «Балет Москва» и труппы Московского драматического театра им. А. С. Пушкина.

Землетрясение – привычный фон жизни, оно не может помешать встрече с высоким искусством. Пианистка снимает чехол с концертного рояля, солист разбирает ноты, собравшиеся – обычные люди, такие же, как мы – готовы потанцевать… Постепенно в традиционный концерт вкрадываются искажения, странности, абсурдные события: встреча меломанов распадается на бессвязные фрагменты. Сможет ли музыка удержать их мир?

Для размышлений об этом Ю Стремгрен избрал классический музыкальный материал – романсы Сергея Рахманинова: «Все свои романсы Рахманинов написал до отъезда в Америку. После – ничего. Значит ли это, что романсы указывают на нечто «настоящее», что было утрачено? Все ли мы тоскуем по чему-то «настоящему»? Я не знаю. Я также часто думаю о том, как мы сухи и практичны в жизни, но становимся мягкими и эмоциональными, когда слышим музыку, смотрим фильм, видим танец. Обращаться к искусству – все равно что вспоминать что-то хорошее, когда жизнь трудна. Это не только способ убежать от реальности. Воспоминания о «настоящем» дают надежду на будущее».

Хореограф и художник-постановщик – Ю Стремгрен (Норвегия)
Ассистент хореографа – Анастасия Пешкова
Выпускающий продюсер – Дарья Третьякова
Художник по свету – Наталья Тузова
Технический директор – Алексей Бондаренко
Заведующий постановочной частью – Константин Кармазиков
Художественный руководитель musicAeterna Dance – Анна Гусева
Менеджер труппы – Яна Мурина

Исполнители:

труппа musicAeterna Dance:
Айгуля Бузаева
Тимур Ганеев
Евгений Калачёв
Максим Клочнев
Савва Коротыч
Елена Лисная
Айсылу Мирхафизхан
Алексей Слуцкий
Дарья Тагильцева

артисты оркестра и хора musicAeterna:
Саша Листова, фортепиано
Кирилл Нифонтов, тенор

«1001 фильм, который вы должны посмотреть» собран из фильмов, снятых в период с 1902 по 2021 год. С помощью специально разработанного алгоритма киноархив сжимается до двух часов просмотра на скорости примерно в тысячу раз выше обычной. На такой скорости сюжет перестаёт складываться в привычную последовательность. Актеры, монтаж, жанры и нарративы растворяются в плотном потоке света, цвета, звука и ритмических вспышек. Кино проявляется через интенсивность изображения, движение, частоту смены кадров, акустику и различия между эпохами и технологиями производства. Проект сталкивает человеческое восприятие с машинным временем и рассматривает киноархив как техническую память — огромный культурный корпус, который можно читать, пересобирать и воспроизводить с помощью вычислительных процедур. Продолжительность два часа сохраняет масштаб исходного корпуса, одновременно делая его просмотр физически и перцептивно предельным.

Виктор Кертанов — мультидисциплинарный художник и исследователь медиа. Его практика связана с концептуальным и постконцептуальным искусством, генеративными и алеаторными методами, программированием, электроникой, видео и звуком. В своих проектах работает с большими массивами данных, с алгоритмической обработкой архивов и специально разработанными программными и электронными системами. Один из центральных исследовательских интересов — постархивное искусство и формы технической памяти. Обладатель степени магистра с отличием по направлению «Искусство и технологии» в НИТУ МИСИС.

Поэзия — это идеальная территория инклюзии. Что превращает слова, паузы и движения в художественный образ? Двойной режим существования, способность мерцать и ускользать от однозначного определения. Поэзия — это мастерство мгновенной смены угла зрения. Нейроразнообразие компании «Разговоры» открывает «кротовые норы» к далеким вселенным высоких парадоксов. И наоборот: интерес к языковым играм создает пространство инклюзии, то есть открытости к любому типу мышления.
«Стихам здесь не место». Их место всегда где-то не здесь. Неторопливой черепахой они ускользают от самого ловкого Ахиллеса. Спектакль — эксперимент в области открытого процессуального искусства. Это русло, по которому будет протекать река сценического действа, балансирующая между партитурой и спонтанными колебаниями. На протяжении полутора лет участники проекта, подобно китайским придворным, упражнялись в сочинении стихов. Теперь они используют получившиеся строки как музыкальные темы для джазовых импровизаций.

Театральная компания «Разговоры» — это яркий и редкий в наших широтах пример комьюнити-арта. Театральные тренинги объединяют людей разного возраста, профессий и социального опыта. У компании нет четкого состава участников. Новые нейроотличные участники и профессиональные артисты или антропологи примыкают спонтанно и разными путями. Драматургия процесса в том, чтобы еженедельно пересобирать общее тело, находить новые основания быть вместе и художественный язык, который позволяет всем высказываться в равной степени. Каждая встреча становится самостоятельным приключением, путешествием от знакомства через танцы, чаепитие, этюды и импровизации к рождению поэтического образа.

Театральная компания «Разговоры»
Фонд «Альма Матер»
Режиссерская группа: Борис Павлович, Аглая Соловьева
Художественно-постановочная группа: Ксения Тараканова, Наталья Федорок, Елена Чебуина
Продюсер Ева Пчелкина
Руководитель проекта «Разговоры» Борис Павлович
Директор фонда «Альма Матер» Нина Михайлюк

Продолжительность: 80 мин.

Пожилой мужчина навещает в психиатрической лечебнице душевнобольную жену, которая много лет назад пыталась утопить их ребенка и покончить с собой. Угнетенный чувством вины и невозможностью изменить ситуацию он остается работать уборщиком в клинике, куда вскоре приходит его дочь сообщить о замужестве, а за ней заявляются болезненные воспоминания и мучительные видения.

Мария Грибова, куратор программы:
«Хотя имя Тэйноскэ Кинугасы не столь известно, его “Страница безумия” давно вписана в летопись не только японского, но и мирового кино. В чем есть парадокс, ведь история ленты изобилует странными (не)совпадениями. Все ее копии сгорели во время Второй Мировой войны, но единственная вдруг обнаружилась в 1971 году в банках для риса. Созданный в Японии, фильм вошел в канон киноавангарда. Основанный на рассказе Ясунари Кавабаты, получил целую вариацию сценариев и — ни одного интертитра в итоговом монтаже. Заявленный мелодрамой, он часто воспринимался как пример “чистого кино”. Среди подобных двойственностей точно одно: как бы ни позиционировалась “Страница безумия”, в 1920-е она показывалась в традиционном сопровождении комментатора, бэнси, который искал баланс между сюжетной очевидностью и визуальной абстракцией. И показ “Послания к человеку” с актрисой Томоми Оритой и котоисткой Еленой Скворцовой стремится к оригинальному звучанию».

Елена Скворцова
Окончила Московскую Государственную Консерваторию по классу виолончели у Д. Г. Миллера. В 2018 году начала заниматься на японской цитре кото на кафедре «Музыкальные культуры мира» у Н. Ф. Голубинской и Н. Б. Григорович, а с 2019 — там же в классе японских барабанов тайко у Марины Вавиловой и Евгении Глуховой. Участвовала в мастер-классе Ямадзи Михо, брала уроки по кото у Ивахори Кэйко и Саваи Хикару. Выступает на кото в составе ансамбля японской музыки ~Inari~ и ансамбля UMI.

Томоми Орита
Актриса театра, танцовщица японского традиционного танца. Окончила театральное училище в Токио, в 2005 году проходила обучение в ГИТИСе, в курсе Леонида Хейфеца. Прямая ученица Томогоро Ямамура III — действующего главы школы Ямамура традиционного классического японского танца. Живет в России, играет в Театре.doc.

Где встречались и общались музыканты, писатели и художники? На квартирах, в кафе и рюмочных, в мастерских и сквотах. «Сайгон», «Орбита», сквот Тимура Новикова, кафе поэтов — лишь несколько адресов на карте неофициального Ленинграда, связанных с именами Иосифа Бродского, Сергея Довлатова, Виктора Цоя и многих других.

Лектор: Игорь Кузьмичев — исследователь культуры, создатель телеграм-канала «Здесь был Майк» и автор книги «Чудаки города Ленинграда» — расскажет о знаковых местах ленинградской богемы 1960–1980-х годов. Через историю этих мест он покажет, как складывалась среда, объединявшая музыкантов, художников, фотографов, писателей и кинематографистов, и восстановит карту знакомств и творческих связей героев андеграунда.

Проект «Распев» — это цикл встреч для всех желающих петь хором. В рамках проекта нет разделения на исполнителей и слушателей – все участники проекта на равных погружаются в музыку с помощью самого доступного из инструментов, собственного голоса. Участвовать в проекте могут все, кто имеет базовые навыки пения и чтения нот.

Ведущий: Александр Сомов

Лаборатория экспериментального звука открывает новый концертный сезон вечером, который сопоставляет два противоположных способа переживать музыку — аполлонический и дионисийский — и предлагает слушателям пройти по воображаемому мосту между ними.

В первом отделении выступит JUST Ensemble — петербургский коллектив современной академической музыки, основанный в 2021 году студентами и выпускниками консерватории. На этот раз состав расширен до шести исполнителей, а программа выстраивает путь от предельной тишины к ритуальному звуковому театру: Asche Марка Андре работает со звуком на грани его исчезновения; Treize Couleurs du Soleil Couchant Тристана Мюрая раскрывает тринадцать «цветов» заходящего солнца через спектральное дрожание обертонов; Vox Balaenae Джорджа Крама написана под впечатлением от пения горбатых китов.

Во второй части концерта выступит CORPS — коллектив Алексея Тегина, работающий на границе музыки, шума и перформанса. Его метод физический и интуитивный: звук здесь не результат композиции, а пространство для импульса, напряжения и освобождения энергии. CORPS отталкивается от образа постапокалиптической культуры — выжившие среди руин находят музыку и красоту в звучании металлолома. Все инструменты Тегин делает сам сварочным аппаратом из найденных на свалках конструкций — отсюда характерное металлическое звучание проекта. У выступления нет ни начала, ни конца в привычном смысле, только длящийся момент, в котором исполнители и зрители оказываются в трансе.

В глухую норвежскую деревню на берегу фьорда переезжает семья из Румынии. Они быстро находят общий язык с соседями, их дети становятся лучшими друзьями. Но идиллия рушится, когда румынская девочка приходит в школу с синяками и по деревне начинают ползти тревожные слухи.

Этот фильм — англоязычный дебют Кристиана Мунджиу, режиссера, который 20 лет назад снял триумфальную ленту «4 месяца, 3 недели, 2 дня» и явил миру феномен «нового румынского кино». В своей новой картине, снятой в Норвегии в компании интернациональных артистов Себастиана Стэна (звезды киновселенной Marvel) и Ренаты Реинсве («Худший человек на свете», «Сентиментальные ценности»), Мунджиу создает полемическое высказывание о современном европейском обществе.

«Фьорд» был удостоен «Золотой пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля-2026 — второй в карьере Мунджиу — и определенно станет одним из самых обсуждаемых фильмов года.

Фильм представят и обсудят куратор кинопрограммы Дома Радио Сергей Дёшин и кинокритик Василий Степанов.

Сергей Дёшин — кинокритик, куратор. Программный директор кинопрокатной компании К24 и фестиваля VOICES. Публикуется в изданиях «Сеанс», «Искусство кино», «Кинопоиск». Продюсер к/м фильма «Галлюцинат» (2025, реж. Вета Гераськина). Куратор специальной программы «Послания к человеку» (2026). Лауреат премии «Слон» лучшему молодому кинокритику года (2018).

«Фьорд»| Fjord (2026)
Режиссер Кристиан Мунджиу
146 мин.
В ролях: Себастиан Стэн, Ренате Реинсве
На английском, румынском и норвежском языках с русскими субтитрами

Петербургский композитор Юрий Красавин за свою жизнь дал до обидного малое количество интервью — и чуть ли не впервые будет рассказывать о себе и своей музыке на открытой встрече со слушателями. Разговор с одним из самых самобытных и значительных отечественных композиторов нашего времени, «последним из могикан» золотого века ленинградской композиторской школы в Доме Радио проведет музыкальный критик Богдан Королёк. Беседа будет строиться вокруг ретроспективного плейлиста, составленного самим Юрием Вильевичем: в него войдут избранные фрагменты из всего корпуса его работ, от ранних сочинений 1980-х и музыки к кинофильмам до недавних премьер из репертуара Большого театра.

Юрий Красавин (р. 1953) наследует творческому методу Игоря Стравинского, как и другие представители его поколения – Леонид Десятников и Анатолий Королев. Это работа с жанровыми моделями прошлого, переинтерпретация чужого тематического материала, диалог с разными авторскими стилями и языками. Диалог этот чаще всего – лукав и ироничен. Филигранная выделка музыкальной ткани для композитора – средство достижения трансцендентности. Среди основных сочинений Юрия Красавина: балеты «Магриттомания» (1999, Опера Сан-Франциско / 2004, Большой театр), концерт «Семь остановок в Юго-Восточной Азии» для скрипки и виолончели с оркестром (2003, Берлин), музыка к кинофильмам («Тихий Дон» Сергея Урсуляка; «Царь» Павла Лунгина, «Брестская крепость» Александра Котта и др.), балетная и камерная музыка. В последние годы для Большого театра он написал музыку к балетам «Танцемания» (2022), «Пиковая дама» по мотивам одноименной оперы Чайковского (2023) и «Буря» (2024) по мотивам пьесы Шекспира.

Артисты оркестра musicAeterna, виолончелист Раббани Алдангор и арфистка Луиза Минцаева, представляют премьеру программы для редкого дуэта. Виолончель и арфа – популярнейшие сольные, оркестровые, ансамблевые инструменты – почти никогда не звучат на концертной сцене вдвоем. Музыканты сами сделали переложения и адаптации сочинений XIX-XX веков для своего дуэта. Они собрали яркую программу из миниатюр Бородина и Глазунова, Сен-Санса и Равеля, Альбениса и Бартока, Блоха и Вила-Лобоса, поместив их в «рамку» из минималистичных сочинений Пярта.

Музыканты так говорят о своем замысле: «Эта программа – о музыке, которая меняет свое «тело», но сохраняет внутренний голос. Большинство произведений первоначально были написаны для совсем других составов – для голоса и оркестра, фортепиано, других камерных ансамблей. Мы превратили их в дуэты виолончели и арфы. Нам интересен этот необычный тембровый союз. Виолончель в нем оказывается человеческим голосом – поющим, молящимся, рассказывающим истории. Арфа создает пространство вокруг него – иногда почти оркестровое, иногда предельно прозрачное».

Обрамляющие концерт произведения Арво Пярта – Fratres и Spiegel im Spiegel – это отправная и конечная точки одного метафизического пути. Музыканты движутся сквозь молитвы, песни, танцы, фантазии о прошлом и образы лебедя к растворению звука в отражениях пяртовских «зеркал». Артисты готовят выпуск альбома с этой программой.

Исполнители:

Раббани Алдангор, виолончель
Луиза Минцаева, арфа

Программа:

Арво Пярт (р. 1935)
Fratres | «Братья» (1977)

Эрнест Блох (1880–1959)
From Jewish Life | «Из еврейской жизни», B.54 (1925)
Prayer | «Молитва»
Supplication | «Мольба»
Jewish Song | «Еврейская песня»

Бела Барток (1881–1945)
Román népi táncok | «Румынские народные танцы», Sz. 56, BB 68 (1915)
Jocul cu bâtă
Brâul
Pê loc  
Buciumeana
Poarga Românească
Mărunțel

Исаак Альбенис (1860–1909)
Интродукция к пьесе Córdoba | «Кордова», № 4 из сюиты Chants d'Espagne | «Испанские напевы», ор. 232 (1898)

Александр Глазунов (1865–1936)
«Испанский танец» из балета «Раймонда» (1897)

Александр Бородин (1833–1887)
Хор половецких девушек из оперы «Князь Игорь» (1869–1890)

Камиль Сен-Санс (1835–1921)
Mon coeur s’ouvre à ta voix | «Мое сердце открывается звуку твоего голоса», ария Далилы из оперы «Самсон и Далила» (1877)

Александр Глазунов
«Песнь менестреля», op. 71 (1900)

Морис Равель (1875–1937)
Pavane pour une infante défunte | «Павана на смерть инфанты», М. 19 (1899)

Эйтор Вила-Лобос (1887–1959)
O canto do cisne negro | «Песня черного лебедя», W. 122 (1917)

Камиль Сен-Санс
Le cygne | «Лебедь», № 13 из сюиты Le Carnaval des animaux | «Карнавал животных» (1886)

Арво Пярт
Spiegel im Spiegel | «Зеркало в зеркале» (1978)

Продолжительность: 70 мин.

Лаборатория экспериментального звука открывает новую концертную серию «Сонорум», посвященную пространственному звуку. В ней звук окружает слушателя со всех сторон — слушатели рассаживаются кругом внутри звукового поля, а не перед ним, и сама архитектура пространства становится инструментом композиции. В программе открытия — три подхода к пространственному звуку.

Егор Ананко — композитор-резидент musicAeterna, куратор Лаборатории экспериментального звука, постоянный участник концертных, выставочных и просветительских программ Дома Радио, основатель сообщества decode silence, которое исследует звук, недоступный человеческому слуху и разрабатывает детекторы и преобразователи для их фиксации. В программе первого концерта серии «Сонорум» Егор Ананко представит работу, построенную из полевых записей и синтеза, движущихся по множеству одновременных звуковых траекторий.

Иван Ерофеев — композитор, работающий во внежанровом поле экспериментальной электроники, где строгость подхода к звуку соединяется со свободными практиками коллажирования. Занимается производством и программированием звука для кино и интерактивных аудиовизуальных сред в студии tonshoom, а также многоканальным звуком. В частности, принял участие в групповом проекте «Умный дом. Звуковое искусство в пространстве музея» в ММОМА на Петровке, а в 2026 году написал восьмиканальный саунд-дизайн для спектакля «Пастернак. Раскованный голос», показанного в Переделкино и на Дягилевском фестивале.

Михаил Мясоедов — композитор и художник, с 2006 года работающий под именем Brinstaar. Его метод строится на импровизациях с широким кругом акустических и электронных источников звука, которые он превращает в структурированные ритмические и эмбиентные ландшафты. В начале 2010-х Михаил стал сооснователем лейбла Kotä Records, в настоящее время параллельно преподает в саунд-лаборатории Школы дизайна НИУ ВШЭ. В своих работах исследует, как звуковые среды воздействуют на восприятие — в том числе в рамках концертов-мистерий «БИКАПО небесного леса», проходящих в Доме Радио.

Проект «Пляс» с танц-художницей, перформером и преподавателем практики движения и танца Валентиной Луценко — это цикл встреч для тех, кто хочет научиться свободе движения и пластического выражения эмоций. Для участия необязательна регулярная танцевальная практика. Каждое занятие завершается общим плясом.

Хореограф: Валентина Луценко.

Пляс — исконно русское слово, синоним страстности и стихийности. В отличие от танца, регламентированного правилами «искусства», пляс — это средоточие эмоций, естественности и свободы. Пляс нельзя «исполнить» — в него можно только пуститься, отдаться ему.

Дом Радио представляет занятия «Пляса» для людей старше 60 лет. Интенсивность этих занятий адаптирована для людей старшего поколения. На занятиях, не требующих регулярной танцевальной практики, участники смогут научиться свободе движения и пластического выражения эмоций, познакомиться с современным танцем через соматические дисциплины и перформативные практики.

Валентина Луценко: «Мы познакомим людей старшего возраста с новой культурой тела, практиками заботы о нем, расскажем о вариантах разминок, которые они впоследствии смогут делать самостоятельно. Также участники научатся импровизационным практикам, благодаря которым смогут попробовать себя в свободном танце, лучше понять методы, с которыми работают современные хореографы и танц-художники. Благодаря занятиям участники окажутся ближе к миру современного танца, им станет понятней его язык, что может быть ключом к пониманию современных постановок и перформансов».

Пляс — исконно русское слово, синоним страстности и стихийности. В отличие от танца, регламентированного правилами «искусства», пляс — это средоточие эмоций, естественности и свободы. Пляс нельзя «исполнить» — в него можно только пуститься, отдаться ему.

Электрические явления были знакомы человеку задолго до появления их научного описания. Искры, притяжение, разряды, токи и поля можно было наблюдать и использовать, хотя представления об их природе оставались противоречивыми. Расхождение между действием и пониманием определило историю электричества как физического явления, технического инструмента и способа передачи энергии и сигналов.

Выставка «Электричество» рассматривает звук как один из способов взаимодействия с электрическими процессами. Приемники и датчики преобразуют электромагнитные колебания, ультразвук и вибрации в слышимые сигналы. Синтезаторы реагируют на свет и движение, электрическая активность живых организмов управляет электронными устройствами, а звучащие объекты меняют восприятие пространства.

Лаборатория экспериментального звука Дома Радио соединяет разработку микрофонов, приемников и синтезаторов с полевой работой, художественными исследованиями и образовательной практикой. Экспозиция «Электричество» объединяет разработки Лаборатории экспериментального звука и проекта decode silence, кинетические и электроакустические инсталляции, звуковые скульптуры и инструменты для самостоятельных экспериментов. 

На выставке электрические, механические и акустические процессы можно услышать, увидеть и исследовать. С некоторыми объектами можно взаимодействовать, меняя их звучание с помощью регуляторов, света и движения; другие предлагают остановится и послушать. Экспозиция предлагает воспринимать слушание как активный способ познания мира.

Параллельно с выставкой пройдет программа концертов, трансляций и встреч с исследователями.

Для знакомства с выставкой не нужны специальные знания в области музыки, физики и электроники. 

Александр Михайловский:

Большой город, мегаполис, метрополис — это имена для пространства, в котором обнаруживает себя новый антропологический тип. По нервной системе больших городов течет электрический ток. В 1920-е годы Эрнст Юнгер зафиксировал опыт целого поколения, которое вернулось с Первой мировой войны — вернулось в большие города и, прежде всего, в Берлин, «самый американский» город Европы. Для него, офицера и писателя, этот опыт был связан с литературным и психологическим освоением «органических конструкций», включенности человека в технические системы.

Неоновые огни рекламы, автомобили, кабаре и кинотеатры, люди в фотообъективе, сообщения, летящие по радиотелеграфу и организующие массы. Но в тот момент, когда «расколдовывание» мира достигает своей высшей точки, начинается обратный процесс. Одинокое сердце искателя приключений обнаруживает внутри «железной клетки разума» секретную дверь, ведущую в магические ландшафты. Ведь ему знакомы тайны сна, опьянения, умирания и смерти. «Магический реализм» открывает мир, в котором «наши повседневные явления служат символом некой более существенной жизни». Символы — это видимая реальность, через которую человек получает участие в вечности, в божественной глубине, обнаруживая свой ранг в иерархии мира. Так преодолевается мучительный разлад между рациональным и мифическим образом мира, который считали неустранимым правнуки идеалистического, внуки романтического и дети материалистического поколения.

ēlektron — это совместный цикл Дома Радио и Центра Art & Science ИТМО, посвященный главной теме просветительской программы 2024 года — электричеству.

Куратор цикла ēlektron — Марина Стародубцева, куратор философского направления Дома Радио

Совместный проект Дома Радио и Центра Art & Science ИТМО

Звуковая лекция исследователя истории арамейского языка и восточносирийской мистической традиции Максима Калинина с участием композитора-резидента Дома Радио и musicAeterna Алексея Ретинского и куратора философского направления Дома Радио Марины Стародубцевой посвящена теме сияния в Ветхом Завете и месопотамской христианской традиции, соединившей элементы религиозной культуры евреев, греков, персов, а также древних вавилонян и ассирийцев. Лектор рассматривает, как природные образы, которые оставались для древнего человека в области непостижимого (молния, радуга, блеск горного хрусталя, стеклообразование), становятся языком разговора о божественном и человеческом, а главное — о той неуловимой, но принципиальной границе, которая существует между Богом и миром. Отдельное внимание уделено представлениям о природном сиянии каждого человека в сирийской мистике и возможных истоках этих представлений.

Куратор цикла ēlektron — Марина Стародубцева, куратор философского направления Дома Радио

Совместный проект Дома Радио и Центра Art & Science ИТМО

В ХХ веке «механические люди», оживляемые или управляемые электричеством, стали образом «идеального» человека, несущего опасность и смерть. Подобной смене интерпретации способствовало романтических представлений об управляемом с помощью электричества механизме. Начиная с XVII века верили, что электрическими импульсами можно управлять любыми телами. Какие причины у таких представлений? И используют ли такие концепции современные художники для создания своих произведений? В рамках лекции Дарья Мартынова рассмотрела произведения искусства XVII-XXI веков с образом электрического тела, а также кинопроизведения 1920-30-х годов об оживлении и сотворении неживого существа — фильмы «Франкенштейн», «Метрополис», «Голем, как он пришел в мир».

Куратор цикла ēlektron — Марина Стародубцева, куратор философского направления Дома Радио

Совместный проект Дома Радио и Центра Art & Science ИТМО

Вопрос «Как возможно искусство?» в конечном счете сводится к вопросу «Как материя может стать средой выражения смысла?». Ответ на этот вопрос существенным образом зависит от ответа на вопрос, что такое материя. Поэтому инициированное романтической натурфилософией новое понимание материи как системы взаимодействий не могло не привести и к новому пониманию художественного выражения. В лекции на примере философии искусства Шеллинга показано, как романтическая натурфилософская рефлексия относительно таких феноменов, как магнетизм, электричество и свет, привела к радикальным новациям в понимании сущности музыки, живописи и пластических искусств и в какой мере эти новации опередили современную ей художественную практику.

Куратор цикла ēlektron — Марина Стародубцева, куратор философского направления Дома Радио

Совместный проект Дома Радио и Центра Art & Science ИТМО

Программа лекций «Теории о практике» посвящена исследованию актуальных художественных стратегий современного танца и перформанса посредством знакомства с уже существующими практиками и стратегиями, связанными с расширением границ междисциплинарного искусства.  В рамках курса рассматриваются теории и концепции развития танца на базе отрефлексированного профессионального опыта, а также поднимаются вопросы о самобытности современного танца и расширения горизонта представлений о нем. В рамках курса слушатели могут подготовиться к будущим премьерам танцевальной компании MA dance, а также лучше понять генеалогию современного танцевального искусства и перформанса.

На лекции с участием саунд-художников Сони Скобелевой и closeyoureyes специалист по немецкой классической философии Петр Резвых пробует погрузить слушателей в романтическую натурфилософию звука. Как может звучащая материя стать вместилищем смысла? Что такое звон, как он связан с тяжестью, магнетизмом и электричеством? Как соотносятся звук и свет, слух и зрение? Почему формы музыки — это формы вещей самих по себе? Об этом доцент Школы философии и культурологии НИУ ВШЭ размышляет, опираясь на философию Шеллинга и его современников.

Куратор цикла ēlektron — Марина Стародубцева, куратор философского направления Дома Радио

Совместный проект Дома Радио и Центра Art & Science ИТМО